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Stuart Townend | La formation des choristes
   
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Mis en ligne le : 04-12-2010
La formation des choristes

Par M. Stuart Townend Comment donner aux responsables d'équipe quelques conseils sur la façon d'entraîner les choristes du groupe de louange. J'ai récemment visionné à nouveau le film “Sister Act” dans lequel Whoopi Goldberg, en l'espace de quelques jours, transforme une poignée de sœurs épouvantables musicalement en la plus formidable chorale gospel en ville. Ah, si seulement c'était aussi facile! Nous sommes probablement tous d'accord avec le fait que les choristes sont des éléments cruciaux pour la sonorité de l'équipe de musique. Malheureusement, c'est probablement la chose la plus difficile à placer et c'est probablement la chose qui nous donne le plus de labeur en tant que responsable d'équipe! Les chanteurs sont dans une catégorie à part. Ils peuvent bien être le seul groupe de votre équipe qui n'a jamais eu de formation sur leur "instrument". Ils peuvent bien ne jamais avoir considéré pratiquer avec des exercices vocaux durant la semaine. Mais ils sont probablement les plus sensibles aux critiques. Dites au joueur de basse électrique qu'il est désaccordé, il sortira son diapason ou son accordeur électronique et réglera le problème. Dites à un chanteur qu'il chante faux, et vous devrez passer des semaines à récupérer la situation. C'est peut-être injuste. La voix humaine n'est pas seulement un instrument sensible et délicat. C'est aussi très personnel à l'individu qui l'utilise. Mais comme responsable d'équipe, il y a des façons à la fois musicales et psychologiques, de tirer le meilleur de ce que votre groupe de louange peut donner. Combien? Lors du dernier article, nous avons regardé la section rythmique (piano, basse, guitare et batterie), et comment une sonorité claire était obtenue entre autres en s'assurant que chaque instrument joue un rôle distinct, et en évitant le son moche qui est créé par un doublage involontaire. Les choristes sont un peu différents, en ce sens que le résultat sonore que vous voulez atteindre durant le culte d'adoration est le son de beaucoup de voix! Alors, l'idée est de se fusionner au chant de l'église, plutôt que de ressortir pour l'auditeur. Ceci étant dit, quelques équipes de louange tombent entre deux chaises. Elles ont trois ou quatre chanteurs qui chantent tous à l'unisson et qui, s'ils ont bien pratiqué et se fusionnent bien ensemble, peuvent sonner bien. Mais la plupart du temps, ce nombre ne peut suffire à créer le son riche d'une chorale, tout en étant moins clair que d'avoir seulement une ou deux voix. La combinaison de son idéale pour moi est un duo homme-femme, avec les autres voix qui chantent des harmonies aux endroits appropriés. Cela sonne assez bien, et bien que les deux voix aient encore besoin de travail pour obtenir un bon mélange (voir ci-dessous), il est plus facile de le faire avec deux voix distancées d'une octave que de le faire avec plusieurs. Bien sûr, il peut y avoir d'autres considérations. Par exemple, la voix solo du conducteur de louange peut ne pas être d'une qualité suffisante pour figurer de façon aussi proéminente, et alors peut avoir besoin d'être cachée par une autre voix dans le même registre. De façon alors à rendre le son meilleur, cela peut aider à la voix la moins appréciée de se reculer de quelques pouces (1 pouce = 2.54 cm) du microphone pendant le déroulement de la chanson, et s'approchant plus près pour donner des consignes à l'église. Le mélange Le sujet du mélange et de la fusion des voix a déjà été couvert précédemment dans ce magazine, cela peut valoir la peine de rappeler quelques points. Le mélange est le son résultant de deux ou de plusieurs voix combinées pour créer un seul son de volume supérieur. La clé pour un bon mélange réside dans deux secteurs, le phrasé et le timbre. Le phrasé implique que vous devez vous assurer que vous chantez chaque partie de chaque mot de la même manière, au même moment. La prononciation en fait évidemment partie, où les accents peuvent jouer une part significative. Mais la terminaison des mots est également cruciale, spécialement à la fin des phrases musicales; et placer les sonoritées consonnantes (b, c, d, f, g,...) qui surviennent au milieu des phrases à la même place (c'est surtout difficile quand les notes sont longues). Cela est payant de bien les pratiquer. Je me suis toujours discipliné moi-même, ainsi que les chanteurs avec qui je travaille, à terminer les phrases sur un temps déterminé de la mesure. Cela tend à garder les choses ordonnées, et vous serez plus enclin à obtenir un bon résultat! Le timbre est un sujet plus difficile et cela implique les sons individuels de chaque voix. Certaines voix sont naturellement plus fortes, d'autres plus douces; certaines plus profondes et sonores, d'autres assez nasales. Si le son doit se mélanger, les volumes doivent être assez égaux, et cela peut être atteint par une combinaison d'auto-contrôle et de niveau d'amplification du système de son. De plus, quelques leçons de chant peuvent aider à acquérir de la profondeur à un son nasal, qui peut être le résultat d'une piètre technique. Demandez à tous vos chanteurs d'ouvrir davantage leurs bouches quand ils chantent, cela n'augmentera pas simplement le volume des voix de vos chanteurs timides, mais aidera à relaxer la voix qui sonne éraillée. Le vibrato Un vibrato mal contrôlé peut être un obstacle majeur au mélange des voix. Le vibrato est l'oscillation naturelle de la voix qui chante et il est particulièrement observable dans le chant d'opéra. Quand il est sous contrôle, il ajoute de la richesse et de la personnalité à une voix; quand il n'est pas limité, il peut être terrible! Si un de vos chanteurs a un vibrato prononcé que les autres n'ont pas, il va ressortir des autres comme un pouce endolori! Encouragez les rebelles à contrôler leur son. Gardez en tête, toutefois, que si vous pouvez arriver à faire en sorte que tous vos chanteurs pratiquent leur vibrato ensemble, chacun selon leurs parties, l'effet peut-être merveilleux! Vous devez aussi accepter que certaines voix ne vont simplement pas ensemble. Si vous avez plusieurs chanteurs parmi lesquels choisir, essayez différentes combinaisons durant vos pratiques, et puis alternez ces différents groupes le dimanche, plutôt que d'essayer d'ajuster ensemble des voix qui sont aux extrêmes. Les harmonies Les harmonies sont une façon assez simple de faire en sorte que votre chant sonne bien. Elles ajoutent à la fois de l'intérêt musical et de la puissance dynamique, mais elles peuvent être trop utilisées durant un cantique, diminuant ainsi l'impact général. Elles peuvent aussi paraître très brouillonnes si la discipline n'est pas au rendez-vous. Découragez vos chanteurs d'harmoniser quand "ils en ont le goût", mais prenez du temps pour travailler et pratiquer les parties à l'avance. Les harmonies à 3 voix sont faciles à travailler. Demandez à un homme et à une femme de chanter la mélodie, une femme pour la voix d'alto et un homme pour le ténor. La ligne d'alto suit la mélodie à une tierce ou une quarte en dessous de la note de la femme qui chante la mélodie, en fonction de l'accord. Le ténor suit à une quinte ou une sixte en dessous de la femme qui chante la mélodie, près du niveau supérieur de la tessiture masculine. Ces harmonies fonctionnent lorsque chacune des parties ont à peu près le même volume, alors travaillez à la fois avec vos chanteurs et les gens du système de sonorisation pour obtenir les bons niveaux. Quand la mélodie est haute, il peut être plus confortable pour les harmonies de descendre, c'est à dire aux altos d'être une quinte en dessous de la mélodie et les ténors une tierce en dessous de la mélodie, mais une octave plus bas. L'effet n'est pas aussi puissant, toutefois, surtout à cause du fait que le ténor chante maintenant dans la portion inférieure de son registre. En général, le ténor sonne à son mieux en chantant le ré et le mi au-dessus du do central, mais cela dépend du chanteur! Comme règle, permettez des notes de passage dans les harmonies quand elles surviennent dans la mélodie. De bonnes parties d'harmonie sont de bonnes mélodies par elles-mêmes, alors si les parties ont besoin de bouger de façon bizarre pour accommoder les accords de la chanson, vous êtes probablement en train d'essayer d'harmoniser une ligne qui n'en a pas besoin. Souvenez-vous, ce n'est pas un cantique au complet qui a besoin d'être harmonisé, en fait, seulement des portions ont besoin d'être harmonisées. Mettez-en moins plutôt que trop, et utilisez cela pour mettre un accent sur certaines phrases et dynamiques dans la chanson, plutôt que pour tenir occupé vos chanteurs! Quelquefois, une harmonie à deux voix est plus forte et moins douce qu'une harmonie à trois voix, alors expérimentez. Et si vous vous sentez créatif, essayez d'ajouter des phrases de réponses ou de "oohs" aux bons endroits. Faites attention à ce que cela ne sonne pas banal. La présentation Les chanteurs sont une partie vitale de l'équipe de musique. S'ils ont l'air d'adorer, cela va encourager l'église à faire la même chose. S'ils ont l'air détaché et sans implication, l'effet sera négatif. Encouragez- les à prendre l'initiative, à lever les mains par exemple, cela donnera le signal aux autres que c'est correct d'exprimer leur propre adoration. Et encourager les choristes qui chantent l'harmonie à chanter à l'unisson certaines sections, mais en se reculant du microphone, et puis de se joindre aux portions en harmonie.

 

Cet article a été traduit et diffusé avec la permission de la revue Worship Together. Il y a des droits d'auteur internationaux et tous les droits sont réservés. Vous pouvez aller voir leur site internet à l'adresse suivante : http://www.worshiptogether.com/ . Pour de plus amples informations, vous pouvez écrire à magazine@worshiptogether.co.uk



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